Claudia Schramke

Berlinale posters from 71 to 72 and 73 edition by Claudia Schramke.

Инициалы для граф. дизайнера

У настоящего графического дизайнера имя должно начинаться на Э, а фамилия - на Л. Как Эль Лисицкий. Или Элвин Люстиг, герой этого поста. 

Фотопортрет Люстига сделала замечательная Майя Дерен, а обложка брошюры очень напоминает как раз Лисицкого: 

В дизайне обложек Люстиг проявляет себя классным книжным графиком. Эту подборку можно сразу помещать в витрину магазина, точно раскупят: 

А вообще именно Люстиг познакомил Билли Уайлдера с Имзами, так что спасибо ему и за это. 

Май-ами

Район ар-деко в Майами с его любопытными зданиями конфетных расцветок не оставляет равнодушными ни путешественников, ни фотографов, ни производителей обоев. 

Обои Cole & Son из серии Geometric II вдохновлены постройками южного побережья, знаменитыми отелями, где останавливались президенты, неповторимыми формами, пестрыми цветами и разлапистыми пальмами. Пора делать ремонт.

 

 

Левые и Перестройка

Как же приятно в политическом фильме, среди новых и старых левых, экономических теорий и прочей публицистики, встретить фрагмент жизни в виде художника Андреаса Зикмана и его жизнеутверждающей (несмотря на всю свою критичность) графики. А чего еще ожидать, когда Зикман - человек с твердой политической позицией, которую он выражает тут и там. В 2009 он совместно с Алисой Крайшер устроил выставку "Принцип Потоси" (по названию боливийского города), посвященную колониализму и его распрекрасному наследию, в 2010 выпустил одноименную книгу, в 2012 снялся в фильме "Катастройка" про постколониализм в современной Европе и его, опять же, распрекрасные последствия, в 2014 дал интервью "Теориям и практикам", а в 2018 попал в Гараж на выставку "Ткань процветания". Витиеватые курьезы не прекращаются.

Андреас Зикман. Графический лист из большого проекта "Общество с ограниченной ответственностью", 1996-2002.

Romanian Design Week 2018

Эти дни в киноклубе "Киноа" посвящены румынскому фильму, в котором рассматриваем пространства и декорации, поэтому самое время вспомнить о Недели дизайна, прошедшей в Бухаресте 19-27 мая. Событие проводится c 2013, организатором выступает The Institute, объединение креативных индустрий Румынии. Начало Недели выпало на уикенд: на два дня несколько центральных улиц превратились в креативный квартал с вечеринками, импровизированными кофейнями, встречами, презентациями и спектаклями.

Основной площадкой Недели дизайна стал Дворец телефонов, здание эпохи джаза, построенное между 1929 и 1934 в духе американских небоскребов, до 1970-х - самое высокое здание в Бухаресте. Авторы проекта - Луис Сибери Уикс из США, специализировавшийся на "телефонных" постройках, которые можно обнаружить и в Нью-Йорке, и в Мадриде, и голландский архитектор Эдмонд ван Саанен, при сотрудничестве с американским инженером Уолтером Фроем. Вдохновлялись, конечно, стройностью и совершенством Эмпайр-стейт-билдинг, прорезавшим нью-йоркский горизонт несколькими годами ранее. На торжественном открытии Дворца телефонов 23 апреля 1934 присутствовал король Румынии Кароль II. То была блестящая эра Бухареста, его золотые дни, описанные Мирчей Элиаде в романе "Свадьба на небесах" как "эпоха нескончаемых вечеринок, где неистово танцевали ночи напролет до полного изнеможения".

Центральная экспозиция на первом этаже Дворца Телефонов представила более 150 проектов, размещавшихся в нескольких тематических зонах: графический дизайн, предметный дизайн, архитектура, мода и междисциплинарный зал. Иллюстрированные книги, комиксы, интерьеры городских квартир и офисов, общественные пространства, дизайнерская мебель и мелочи для дома, невероятные костюмы и головные уборы, веселая керамика и типографика - при свете неоновых ламп на ярко-красном фоне. Поиски вдохновения можно было продолжить в соседнем pop-up store в несколько этажей, где, помимо румынского дизайна, можно было увидеть превью выставки, посвященной шведской моде. Румынская неделя дизайна не ограничивается продвижением "своих": например, отдельная экспозиция из параллельной программы была от и до посвящена польскому дизайну.

Немного фото с основной экспозиции:

Jazz Day

В преддверии Международного Дня Джаза в Петербурге вспомним несколько симпатичных рисованных обложек от Уорхола и не только.

Преодоление

Сегодня в Манеже заканчивается выставка японских и российских молодых художников. Несколько заметок на полях. Манеж - большое выставочное пространство: много свободного места на двух этажах в центре города. Можно одновременно выставить столько всего - было бы что выставлять. К счастью, есть профильные учебные заведения, в которых ежегодно-ежечасно производится какое-то количество прекрасного, редко попадающего в поле зрения широкой публики. Тем более удобно, когда ректор профильного учебного заведения, как из личной коллекции, самостоятельно отбирает работы для выставки. Жаль, что сложно сказать, насколько выборка из представленных работ репрезентативна: субъективный отбор плюс не самая активная выставочная деятельность учебного заведения (речь, конечно, идет об Академии художеств) затрудняют любое обобщение. И все же благодаря выставке в Манеже у широкой публики появляется возможность получить некоторое представление о положении вещей в Академии, об общем / среднем уровне художественного образования и, что самое главное, о мыслях и чаяниях студентов, выпускников и преподавателей, то есть художников только начинающих или уже состоявшихся.

Первое и главное впечатление - это невероятный пафос, с каким вся эта непосильная художественная работа преподносится. Вслед за названием "Преодоление" читаешь названия произведений о надежде, борьбе и прочих высоких материях, потом в пресс-релизе встречаешь сентенцию про "социальную чувствительность" художника, и сердце наполняется благостью, глаза - слезами, внутренний же критик поначалу испытывает недоверие, в итоге - рвотный рефлекс. Кентавры и прочие герои античности, искусно скопированные с фигур из Отдела слепков, однотипные религиозные сюжеты и надоевшие двери вагонов метро, ностальгический сталинский ампир и голова Ленина, а дальше - динозавры, салоны красоты и нелепые инсталляции, о которых даже не хочется вспоминать. Ужасает не столько тематика каждой отдельной работы (ампирная ВДНХ - наверное, лучшая работа на выставке), а нагромождение этих сюжетов друг на друга. "Фигуративность на полотнах" - вот, придумала альтернативное название для выставки (заметим, сохраняющее общую претенциозность высказывания). Полотна-то не простые, а воистину необъятные. И откуда у студентов столько денег? Гигантомания плюс дотошная сюжетность плюс вера-надежда-любовь и нерушимые скрепы.

А людям нравится! Специально заглянула в книгу отзывов. Посетители в восторге: ну где еще увидишь столько работ начинающих художников, проникнешь в их причудливый мир прошлого с тщательно прорисованными домами и китами, с восковыми свечами и скульптурами в духе "жертв пороков взрослых". Одна бабулечка даже написала что-то вроде "мне 77, ничего не поняла, но дай-то бог", - в смысле, пусть продолжают, молодым дорогу. Бабуля только не уточнила, где и что именно она не поняла, - на первом этаже или на втором. Потому что на первом все как раз понятно: там японцы из Университета искусств Тама, не все иероглифы знакомы - это да, а в остальном много отличной графики, эксперименты с техниками и медиа. Большой минус - слишком "кавайно", и это идеал для фанатов манги и аниме, что для меня - абсолютно мимо, но я в меньшинстве. Двойственность между моей Японией и Японией на выставке отражает название одной из картин (оригинальнее самой картины): "Если бы герои укиё-э совершили путешествие в современное общество". На первом фото внизу - не укиё-э, а песни со второго этажа.

P. S. Ссылка на видеоэкскурсию по выставке, из которой можно узнать столько нового о Японии и о мире в целом.